Коллеги - педагогический журнал Казахстана

Учительские университеты

Главная » Статьи » В помощь учителю » Уроки музыки

интегрированный урок "Эпоха барокко в искусстве" для ДМШ и ДШИ
Открытый урок
Тема урока: Эпоха барокко в искусстве.
Цель урока:дать основные сведения о стиле барокко в искусстве музыки, изобразительного искусства и хореографии.
Задачи:
1. Получение знаний о стиле барокко в искусстве музыки,изобразительного искусства и хореографии, формирование эстетического восприятия окружающего мира;
2. Развитие познавательного интереса (историзм, новизна знаний, обновление полученных знаний, практическая значимость полученных знаний);
3. Воспитать любовь к образам классического искусства, повышение мотивации и интереса к мировой культуре.
Тип урока:интегрированный
Методы урока:
 Словесный
 Наглядный
 Демонстрационный
 Музыкальная иллюстрация
Место проведения: актовый зал ДШИ
Оборудование:компьютер,мультимедия, накопители информации (презентации, видеофильмы, портреты), рояль

План урока:
I.Музыкальное искусство .
1)Вступление: барокко-как стиль и направление в искусстве.
2)Творчество композиторов эпохи барокко.
3) «Шутка» И.С. Баха фортепианный ансамбль.
4)Музыкальные видеоролики.
II.Изобразительное искусство.
1)Вступление:барокко в изобразительном искусстве.
2)Презентации на тему барокко с комментариями.
III.Хореографическое искусство в эпоху барокко.
1)Вступление : хореография в эпоху барокко.
2)Презентации с комментариями.
3) Видеоролики танцев в эпоху барокко.

I .Музыкальное искусство.
Преподаватель: Степанова С.А.
Музыка барокко появилась в конце эпохи «Возрождения» и предшествовала музыке классицизма. Слово «барокко» происходит от итальянского «barocco» означающего «причудливый, странный», хотя, возможно, «пышный, изобильный» будет лучшим вариантом перевода, более отражающим смысл. Термин «барокко» стал применяться в музыке 17го и начала 18 веков. Музыка средневековья была довольно примитивной с точки зрения мелодии и гармонии. В эпоху барокко чувствуются большие изменения. Было два основных географических центра развития музыки. Один в северной Германии и Голландии, другими центром был юг Европы Италия. Композиторы эпохи барокко портреты композиторов: Монтеверди, Перголези, Фрескобальди, Бах, Гендель, Вивальди.
Музыка стремилась к более высокому уровню эмоциональной наполненности. Сочинения барокко часто описывали какую-то одну конкретную эмоцию (ликование, печаль, набожность). Музыка барокко писалась для виртуозных певцов и музыкантов и обычна была значительно более сложна для исполнения. Почти обязательно стало использование музыкальных украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации. В эпоху барокко многие инструменты достигли пика своего развития. Органы построенные немцами Арпом Шнитгером и Готфридом Зильберманом, были и до сих пор остаются лучшими инструментами. Скрипки и другие струнные инструменты, созданные в эпоху барокко итальянскими мастерами, и сейчас обладают неповторимым звучанием и являются мечтой многих профессиональных музыкантов. Домашние, а потом концертные клавишные инструменты являются примером того, как музыкальный инструмент сначала исчезал, потом модифицировался и вновь возвращался. Широко распространенный клавесин в эпоху барокко начал сменяться первыми фортепиано, которые изготавливал друг И.С. Баха органостроитель Готфрид Зильберман.
Произведения того времени широко исполняются и изучаются. В эпоху барокко родились такие произведения как фуги Баха, произведения для клавишных часто писались композиторами для собственных развлечений или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения Баха «Хорошо темперированный клавир», «Искусство фуги». В его музыке собрались различные формы и стиль барокко и были доведены до совершенства.
Слушание Бах «Шутка».
При рассмотрении музыки и композиторов эпохи барокко, важно учитывать обстоятельства, в которых они работали. К примеру Антонио Вивальди создал много прекрасных концертов(как «Четыре сезона»), но он также написал и много простейших произведений. Это были упражнения для учеников, Вивальди работал большую часть своей творческой жизни в оспедале ( приют для невинных)детский дом для незаконнорожденных девочек дворян и знати. Молодые барышни жили в роскошной обстановке, музыкальные стандарты их обучения были одними из самых высоких в Венеции. Многие из концертов Вивальди фактически были упражнениями ,которые он разучивал со своими ученицами.
Слушание Вивальди «Лето».
В эпоху барокко музыкальный орнамент стал весьма изощренным, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструменте. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений как опера. Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Пышность и великолепие многим королевским дворам добавили произведения Генделя, в Италии к нему пришла слава мастера «итальянской оперы», в дальнейшем он принял Британское гражданство. Он один из немногих иностранцев признан в Англии как величайший английский композитор.
Слушание Гендель «Пассакалья»
Музыка в своей мелодичности сконструирована таким образом, чтобы отразить «полный порядок» вселенной – это суть музыкального стиля барокко. По словам композитора и музыкального теоретика барокко Иоганна Йозефа Фукса: «Музыкальное произведение отвечает требованиям хорошего вкуса, если оно хорошо построено, избегает мелочей, а также умышленной эксцентричности, направлено на возвышенное, но движется в естественном порядке, сочетая блестящие идеи с совершенным мастерством». В эти дни все больше и больше людей стремятся вернуться к музыке для души, содержащей в себе красоту, основывающуюся на упорядоченной структуре. Таким образом, мы являемся свидетелями возрождения интереса к музыке барокко и тех, кому посчастливилось быть еще не знакомым с ней, ожидает интересное открытие.

II. Барокко в изобразительном искусстве.
Преподаватель: Байтенова Манат Компышевна.
Стиль искусства определяет эпоху, эпоха определяет стиль. Рассматриваемый на уроке стиль – барокко получил своё начало в конце 16 века и существовал до 18 века. Появлению стиля предшествовали исторические предпосылки: Италия потеряла экономическое и политическое могущество, поэтому знать и церковь обратилась к искусству, чтобы создать иллюзию могущества и богатства.
(Приложение «Презентация «Стиль барокко в изобразительном искусстве»»). Слайд 1. Искусству барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, стремление к величию, к совмещению реальности и иллюзии.
Архитектура отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством.
Слайд 2 . Собор Святого Петра в Риме. Это католический собор, крупное сооружение Ватикана, крупнейшая историческая христианская церковь в мире. Над его созданием трудились несколько поколений великих мастеров Браманте, Рафаель, Микеланджело, Бернини. Вместимость около 60000 человек+ 400 человек на площади.
Слайд 2. Кафедральный собор Мехико. Главная достопримечательность Мехико – попал в список 100 памятников архитектуры. В данное время этот архитектурный памятник под угрозой исчезновения. Фундамент дал осадку из-за серьёзного веса огромных башен, каждая из которых весит по 127 000 тонн. Слайд 3. Церковь Санта - Приска.
Слайд 4.Барокко в русском искусстве сформировался в первой половине 18 века, главным образом в архитектуре Ф.Б.Растрелли. Грандиозные архитектурные ансамбли поражают воображение обилием украшений на фасадах и внутри зданий. Излюбленные цвета Растрелли, по которым можно узнать его постройки – это зелёновато – лазоревый цвет для стен, белый – для колонн, пилястр и карнизов. Золотой – для лепных украшений
Слайд 5.Государственный Эрмитаж в г. Санкт – Петербурге.
Слайд 6. Андреевская церковь в г. Киеве.
Слайд 7. Петергоф.
Слайд 8.Парадная лестница. Аллегория Лета и Весны.
Десюдепорт с фигурами «Верность» и «Справедливость».
Слайд 9.Фрагмент интерьера «Голубая приёмная». Тронное кресло и картина «Шествие на Петергоф».
Слайд 10. Екатеринбургский дворец в царском селе – выдающийся образец мировой архитектуры и садово–паркового искусства. Выдающиеся зодчие скульпторы и художники 18 – 20 века воплощали в реальность замыслы и пожелания царского дворца. Восхищают роскошью Большой зал дворца и ряд парадных залов, среди которых всемирно известная «Янтарная комната».
Слайд 11. Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность. Яркий пример творчество П. Рубенса и Караваджо.
Слайд 12. П.Рубенс. «Святой Георгий и дракон», размер картины 304/256 см. Художник изображает самый острый момент схватки, когда конь с развивающей гривой встаёт на дыбы, а всадник готов поразить дракона. Слева замерла принцесса с ягнёнком – символом кротости. Резкие контрасты света и тени, тёплые богатые краски наделяют его картины кипучей энергией.
Уникальна картина Караваджо - «Лютнист». 1596 г., размер 94/119 см. перед лютнистом лежат скрипка. Нота, фрукты, рядом ваза с цветами. С отточенным мастерством написаны художником все эти предметы в своей плотной округлости, вещественности.
Светотенью полеплено фигура и лицо юноши с лютней. Тёмный фон подчёркивает насыщенность выступающих вперёд светлых тонов.
Слайд 13. Вермер Ян Делфтский. «Диана и нимфы». Размер картины -98/105см. Работа на мифологическую тему – история Дианы после купания в ручье вместе со своими спутницами - нимфами и наблюдающим за нагими красавицами юноше. Композиционное построение картины, а также динамика движения и общение персонажей свидетельствует с подражательности молодого Вермера искусству итальянских мастеров караваджизма.
Веласкес Диего. Портрет королевы Изабеллы Бурбонской». Это портрет первой жены Филиппа 4-го. На картине женщина одета по королевски пышно в тяжёлое платье расшитое золотом, серебром и ценным мехом. Королева смотрит прямо и гордо, олицетворяя властную женщину, хотя была сложная судьба, но она выдержала всё, что ей преподнесла жизнь.
Слайд 14. Неотъемлемая часть стиля барокко это скульптура. Величайшим признанным архитектором и скульптором 17 века был итальянец Л.Бернини (1598 – 1680гг.). Среди самых известных скульптур – мифологические сцены похищения Прозерпины богом подземного царства Плутоном и чудесного превращения в дерево нимфы Дафны, преследуемой богом света Аполлоном («Аполлон и Дафна»).
В Испании в эпоху стиля барокко преобладали деревянные скульптуры, для большего правдоподобия их делали со стеклянными глазами, на статую одевали настоящую одежде.
Стиль барокко оставил богатое наследие в мировом изобразительном искусстве архитектуре, скульптуре и живописи и получил начало следующему стилю – рококо.
(Приложение «Презентация «Стиль барокко в изобразительном искусстве»». 14 слайдов.)

III. Барокко в хореографии.
Преподаватель : Пятина Елена Викторовна.
Вслед за темными и мрачными средневековыми временами пришел более цивилизованный, спокойный и красочный период барокко. В эту эпоху культура социума и танцевального искусства в частности получили хороший толчок к развитию и эволюции. Хореографические постановки все больше и больше насыщались утонченностью, манерностью и, в конце концов, превратились в бальные танцы, которые исполнялись на грандиозных придворных празднествах и торжествах. Эти балы сопровождались прекрасным музыкальным аккомпанементом, строгими правилами поведения и определенным этикетом, что обязывало танцы к соответствующей трансформации. Особо яркий расцвет бальной культуры и танцевального искусства в эпоху барокко пришелся на 17-й век.

Танец эпохи барроко
Особенности танцев эпохи барокко
Каждая эпоха характеризовалась своими предпочтениями, вкусами и приоритетами в искусстве, в том числе и в культуре танца. Несмотря на краткосрочность этого яркого периода, он привнес в мир очень много великих произведений искусства, и в частности в область хореографии. Стоит отметить, что пляски эпохи барокко отличались особой манерностью и некой сценичностью. А также особенностью танцев этого периода в отличие от постановок других эпох являлись четкая симметрия и исключение повтора движений. Кстати, именно во времена барокко появились различия между мужскими и женскими танцевальными движениями. Стиль танцев барокко отличался особой эмоциональностью, величием и спонтанностью, которые пришли в эту эпоху со времен ренессанса. В танцах этого периода все движения были утонченные, грациозные и несли в себе смысловую нагрузку, а каждый жест воплощал в себе то или иное чувство. Пляски эпохи барокко отличались изяществом жестов и особой утонченностью, которые позже вошли в основу классического балета.
...Танцы стали играть беспрецедентно важную роль — как социальную, так и политическую — на протяжении всей второй половины семнадцатого века. Будучи искусством социальным, танцы лучшим образом иллюстрировали повсеместное распространение принятых правил поведения. Танец был призван показать человеческое тело, полностью контролируемое танцором. Но кроме этого, танцор теперь представлялся не только как отдельная личность, а как часть группы, присоединяясь к общепринятому, «кодифицированному» языку жестов. Среди аристократии было принято постоянно контролировать позиции своего тела и осанку. Позы и поклоны являлись знаками уважения и одновременно — хорошего происхождения. На балах той эпохи стремились прежде всего блеснуть манерами, хорошим вкусом и связями. Кавалеры не выбирали дам самостоятельно - пары подбирались церемонимейстером. Каждая пара танцевала каждый танец по отдельности, выполняя шаги как можно более аккуратно под пристальными взглядами остальных гостей. Первым общим танцем стала куранта (courant), в исполнении которой принимали участие двенадцать пар танцоров, и которая была любимым танцем Луи XIV. В 1663 году в моду вошел менуэт (minuet), получивший имя «короля танцев». Менуэт требовал трехмесячной подготовки из-за достаточно сложной схемы шагов . «Кто хорошо танцует менуэт, тот все делает хорошо» — так резюмирует буржуазное общество свое отношение к менуэту на рубеже XVIII века .
Пожалуй, нигде так не увлекались танцем, так тщательно его не изучали, как во Франции в конце XVII века. При Людовике XIV балы достигли необыкновенного блеска. Они поражали роскошью костюмов и парадностью обстановки. Здесь правила придворного этикета соблюдались особенно строго.
Луи XIV самолично брал уроки танцев на протяжении двадцати лет, и обычно принимал участие во многих придворных балетных постановках, часто в роли Аполлона или Юпитера. Фактически, любой человек от принца до уличного музыканта мог принять участие в подобном костюмированном представлении-маскараде. В них участвовал даже кардинал Мазарини. Поначалу они имели довольно несвязную структуру, где каждый исполнитель вел свою роль так, как сам желал; но вскоре эти балетные постановки стали поручать профессиональным деятелям искусств, таким как композитор Жан-Батист Люлли (1633-1687) .
В 1661 году Людовик XIV издает указ об организации Парижской Академии танца. В специальном королевском документе говорится, что Академия призвана способствовать воспитанию хорошей манеры у привилегированных классов, хорошей выправке у военных. Возглавили это учреждение тринадцать лучших учителей, назначенных Людовиком. В задачу Академии входило установить строгие формы отдельных танцев, выработать и узаконить общую для всех методику преподавания, совершенствовать существующие танцы и изобретать новые.
Академия проверяла знания учителей танцев, выдавала дипломы, устраивала вечера и всячески способствовала популяризации хореографического искусства. Новые танцы и движения деятели Академии часто заимствовали у народной хореографии, которая продолжала развиваться своими путями. Члены Академии пользовались рядом привилегий, которые были недоступны другим учителям танцев. И хотя многие из академиков использовали свой высокий пост для личной выгоды, Академия сыграла огромную роль в развитии танцевальной культуры Франции. Особенного расцвета она достигла в период, когда во главе ее стал Луи Бошан — знаменитый балетмейстер и учитель танцев короля. Многие из членов Академии положили начало современной теории танца. К ним относятся Фёлье, Пекур, Маньи, Рамо.
На балах Людовика XV, богатых и красочных, придворный этикет был уже менее строгим. От убранства залов и гостиных, от элегантно-изысканных нарядов и легких танцев веяло утонченной грацией и подчеркнутой манерностью.
По указу Людовика XV вводятся платные общественные балы в здании оперного театра. Первый такой многолюдный публичный бал состоялся в 1715 году.
Видео №1 придворный танец
Народный и бытовой танец Франции XVI-XVII веков сыграл исключительно большую роль в развитии балетного театра и сценического танца. Хореография оперно-балетных представлений XVI, XVII и начала XVIII века состояла из тех же танцев, которые придворное общество исполняло на балах и празднествах. Только в конце XVIII века происходит окончательное разграничение бытового и сценического танцев. Ряд движений, на которых построены гавот, гальярда и особенно менуэт, легли в основу лексики классического танца .
Cемнадцатый век явился родоначальником следующих танцев: ригодон, менуэт, гавот, англез, экосез, контрданс, бурре, канари, сарабанда. Кроме них, в обиходе остаются и танцы, ставшие популярными в прошлом веке: аллеманда, пассакалья, чакона, куранта, жига (или джига). В конце семнадцатого столетия появляются также паспье и кадриль.
Но прежде, чем рассмотреть каждый из этих танцев, следует ознакомиться с понятием сюиты, которое во многом определяло музыкально-танцевальные вкусы рассматриваемой эпохи.
Сюита
Сюита (франц. suite, буквально — ряд, последовательность) — 1) циклическое инструментальное произведение из нескольких самостоятельных пьес, для которого характерны относительная свобода в количестве, порядке и способе объединения частей, наличие жанрово-бытовой основы или программного замысла. Термин «сюита» возник в XVI веке во Франции, изначально обозначая цикл из нескольких разнохарактерных бранлей, исполняемый на лютне, а в другие страны проник в XVII-XVIII веках, но до второй половины XIX века большого распространения не получил. Ныне термин является родовым жанровым понятием, имеющим исторически различное содержание, и используется для выделения сюиты среди других циклических жанров (сонаты, концерта, симфонии и др.).
Старинной сюитой XVII-XVIII вв. называются циклы лютневых, а позднее клавирных и оркестровых танцевальных пьес, которые контрастировали по темпу, метру, ритмическому рисунку и объединялись общей тональностью, реже — интонационным родством. В XV-XVI вв. прообразом сюиты послужили серии из трех и более танцев (для различных инструментов), сопровождавших придворные процессии и церемонии, а также парные объединения контрастных танцев (павана — гальярда, пассамеццо — сальтарелло и др.). С середины XVII века танцевальная сюита, утратив прикладное назначение, бытует преимущественно под названиями партита (нем.), lessons (англ.), balletto, sonata da camera, ordre (франц.), а иногда как «собрание клавирных пьес» (Г. Ф. Гендель). В различных национальных школах и у разных композиторов складывается свой типизированный набор и порядок пьес. Наиболее типичной основой для танцевальной сюиты послужил набор танцев, сложившийся в сюитах И. Я. Фробергера: аллеманда — куранта — сарабанда — жига.
Художественных вершин в этом жанре достигли И. С. Бах (французские и английские сюиты, партиты для клавира, для скрипки и виолончели соло) и Г. Ф. Гендель (17 клавирных сюит). В их время сюита уже содержит много частей. Аллеманда предварялась прелюдией, увертюрой, преамбулой, фантазией, токкатой и др. Между курантой, сарабандой, жигой включались другие танцы (иногда по два или с дублем — орнаментальной вариацией) в соответствии с национальными традициями (менуэт, бурре, гавот, паспье, ригодон, мюзет, лур, полонез, форлана, сицилиана, тамбурин, англез, хорнпайп). Также вводились пьесы нетанцевальные (ария, рондо, скерцо, бурлеска, каприччо, чакона, пассакалья), с программными подзаголовками или только обозначениями характера и темпа. В творчестве Ж. Б. Люлли, Г. Муффата, И. С. Баха, Г. Ф. Генделя, Г. Ф. Телемана распространены оркестровые сюиты, чаще называвшиеся увертюрами. Сюиты для клавесина французских композиторов (Ж. Шамбоньер, Ж. А. д'Англебер, Л. К. Дакен, Ж. Ф. Дандриё, Л. и Ф. Куперены, Ж. Ф. Рамо) представляют собой собрания жанрово-пейзажных музыкальных зарисовок (до 20 пьес и больше в сюите). Со второй половины XVIII века старинная сюита вытесняется другими жанрами, и попытки ее возрождения в прежнем виде широкого распространения не получили, однако к сюите обращались с целью стилизации, переосмысливая жанр в соответствии с современными традициями.
Рассмотрим теперь каждый из танцев в отдельности.
Самые популярные виды танцев периода барокко
Контраданс – одна из самых популярных бальных постановок с английскими корнями, которая изначально исполнялась крестьянами, а после некоторых изменений и по прошествии времени стала неотъемлемым атрибутом всех придворных балов. Контрданс (франц. contredanse, от англ. country-dance, букв. — деревенский танец) — старинный английский танец. Впервые упоминается в литературе в 1579 г. Возможно участие в контрдансе любого количества пар, образующих круг (round) или две противоположные линии (longways) танцующих. Музыкальные размеры — 2/4 и 6/8. В XVII веке контрданс появился в Нидерландах и Франции, получив наибольшее распространение в середине этого века и оттеснив менуэт. Общедоступность, живость и универсальность контрданса сделали его в последующих столетиях популярным в Европе. Многочисленными разновидностями контрданса стали кадриль, гросфатер, экосез, англез, тампет, лансье, котильон, матредур и другие танцы. Многие мелодии контрдансов впоследствии подтекстовывались, превращаясь в массовые песни; становились основой водевильных куплетов, песен в балладных операх. К середине XIX века контрданс утрачивает популярность, но сохраняется в народном быту (Англия, Шотландия). Возрождается в XX веке.
Менуэт
Менуэт – очень старый и очень грациозный танец французского происхождения, который пользовался особой популярностью и востребованностью в средине 17-го столетия на придворных балах и других торжественных событиях.Менуэт (франц. menuet, от menu — маленький, мелкий; menu pas — маленький шаг) — старинный французский народный танец. Пережив на несколько столетий одновременно с ним возникшие хореографические формы, он сыграл большую роль в развитии не только бального, но и сценического танца. Родиной менуэта считают Бретань, где его исполняли непосредственно и просто. Свое название он получил от pas menus, характерных маленьких шагов. Как и большинство танцев, возник из французского крестьянского бранля — так называемого "бранля Пуату" (из одноименной французской провинции). При Людовике XIV стал придворным танцем (ок. 1660-1670). Музыкальный размер 3/4. Музыку менуэтов создавали многие композиторы (Ж. Б. Люлли, К. В. Глюк). В России менуэт появился в начале XVIII века (менуэты танцевали на ассамблеях Петра I). Первоначально менуэт складывался из двух частей по восемь тактов с повторениями каждой части. Позднее возникли усложненные трехчастные формы. Менуэт появлялся в симфониях, в сонатах, квартетах и других произведениях циклических форм .Как и многие другие танцы, возникшие в народе, менуэт в своей первоначальной форме был связан с песнями и бытовым укладом данной местности. Исполнение менуэта отличалось изяществом и грацией, что немало способствовало его быстрому распространению и популярности в придворном обществе.Любимым танцем королевского двора менуэт становится при Людовике XIV. Здесь он теряет народный характер, свою непосредственность и простоту, приобретает величественность и торжественность. Придворный этикет наложил свой отпечаток на фигуры и позы танца. В менуэте стремились показать красоту манер, изысканность и грациозность движений.Аристократическое общество тщательно изучало поклоны и реверансы, часто встречающиеся по ходу танца. Пышная одежда исполнителей обязывала к медленным движениям. Менуэт все больше и больше обретал черты танцевального диалога. Движения кавалера носили галантно-почтительный характер и выражали преклонение перед дамой. Исполнители менуэта двигались по определенной схеме, придерживаясь строгого композиционного рисунка. Схем существовало много, хотя между ними нетрудно найти общие черты. Президент Парижской Академии танца Луи Бошан — учитель Людовика XIV — предложил схему в виде буквы S. Тауберт в своем труде описывает схемы в виде восьмерки, двойки, букв S и Z. Известный танцовщик Пекур, став президентом Академии танцев, настаивает на схеме в виде буквы Z. Постепенно она становится каноничной. При французском дворе менуэт очень скоро стал ведущим танцем. Его называли «королем танцев и танцем королей». Исполнители располагались строго по рангам. В первой паре шли король и королева, после них — дофин с одной из знатных дам. Отсюда возникли названия: менуэт de la Reine и менуэт de Dauphin. Долгое время менуэт исполнялся одной парой, затем число пар стало возрастать. Менуэту обучались долго, несмотря на его незамысловатый основной шаг. Это объясняется тем, что очень трудно давалась манера исполнения. Переход от одного движения к другому должен был совершаться без рывков и в точном ритме, плавно, красиво. Особенно сложной была мужская партия, в которой большую роль играли движения со шляпой. Ее следовало элегантно снять во время реверанса, красиво держать попеременно то в одной, то в другой руке, а затем непринужденно надеть. Руки танцующих, мягкие, пластичные, с красивым изгибом кистей, дорисовывали позы менуэта. В менуэтах XVII века они имели своеобразную позировку: их не полагалось поднимать высоко, соединение рук танцующих должно было происходить мягко, плавно. Медленный менуэт в XVIII веке сменил скорый. Если при исполнении медленного менуэта главным было точное выполнение заранее предусмотренной схемы, то для скорого свойственно ускорение темпа, введение ряда сложных движений; руки разрешалось поднимать высоко в различных позах. В менуэте XIX века изменяются не только движения рук. Музыкальный размер, определяющий характер основного па менуэта, который в XVII веке занимал два полных такта по 3/4, стал занимать один такт .

Менуэт
Гавот
Гавот – изначально народный французский бальный танец, который вскоре после своего возникновения обрел мировую славу и любовь знатных особ, королей и правителей.Гавот (франц. gavotte, от провансальского gavoto, букв. — танец гавотов, жителей провинции Овернь во Франции) — старинный французский крестьянский хороводный танец. Музыкальный размер — 4/4 или 2/2, темп умеренный. В XVI веке термином «гавот» обозначали последовательность нескольких двойных бранлей, а также заключительную часть некоторых сюитных бранлей . Французские крестьяне исполняли его легко, плавно, грациозно, под народные песни и волынку. Схема танца — открытый или закрытый круг, участники которого проделывали одни и те же движения. Каждый круг имел ведущую пару из числа лучших танцоров. Кавалер этой пары по своему вкусу варьировал движения, которые затем исполнялись остальными. В конце танца из круга выходила пара, которая продолжала танец. Когда это соло заканчивалось, молодой человек дарил своей партнерше букет цветов. Но гавот XVI века не получил широкого распространения и вскоре был забыт.
В XVII веке гавот стал придворным танцем, приобрел грациозный и жеманный характер. Его пропагандируют не только учителя танцев, но и самые известные художники: пары, исполняющие гавот, переходят на полотна Ланкре, Ватто, изящные позы танца запечатлеваются в фарфоровых статуэтках.
Но решающая роль в возрождении этого танца принадлежит композиторам, которые создают очаровательные мелодии гавота и вводят их в самые различные музыкальные произведения .Вышел из употребления ок. 1830 года, хотя и сохранился в провинции, особенно в Бретани. Типичная форма — трехчастная da capo; иногда средней частью гавота является мюзет. Является постоянной частью танцевально-инструментальной сюиты . Из огромного количества танцев в эпоху барокко можно также выделить и другие виды, например: куранта, аллеманда, жига, сарабанда, бурре, турдион, котильон и другие. Стоит отметить, что, невзирая на такое многообразие разновидностей плясок в период барокко, все танцы характеризовались одной чертой. Их концепция в этот временной промежуток заключалась в культивации гармонии и превосходной координации движений. К тому же, барочный танец был построен на постоянном общении партнеров, которое характеризовалось некой театральностью.
Ригодон
Ригодон (франц. rigaudon, rigodon) — французский танец. Музыкальный размер 2/2, alla breve. Включает три-четыре повторяющихся раздела с неравным количеством тактов. Получил распространение в XVII веке. Название, согласно Ж. Ж. Руссо, происходит от имени его предполагаемого создателя Риго (Rigaud). Ригодон — видоизменение старинного южнофранцузского народного хороводного танца. Входил в состав танцевальной сюиты. Использовался французскими композиторами в балетах и балетных дивертисментах опер.
Аллеманда
Аллеманда (франц. allemande, букв. — немецкая; danse allemande — немецкий танец) — старинный танец немецкого происхождения. Как бытовой и придворный танец аллеманда появилась в Англии, Франции и Нидерландах в середине XVI века. Размер двудольный, темп умеренный, мелодика плавная. Обычно состояла из двух, иногда трех-четырех частей. В XVII веке аллеманда вошла в сольную (лютневую, клавесинную и др.) и оркестровую сюиту в качестве первой части, став торжественной вступительной пьесой. Во второй половине XVIII в. под названием «аллеманда» распространился новый немецкий танец в быстром темпе, трехдольного размера.
Мюзет
Мюзет (франц. musette, основное значение — волынка, от старофранц. muse — дудка) — 1) разновидность французской волынки; 2) гобой-пикколо; 3) органный регистр; 4) французский старинный народный танец. Размер — 2/4, 6/4 или 6/8. Темп быстрый. Исполнялся под аккомпанемент волынки (отсюда и название). В XVIII веке вошел в придворные оперно-балетные дивертисменты.
Видео №2 танцы на музыку Генделя.Ригодон .Гавот. Бурре.
Англез
Англез (франц. anglaise; danse anglaise — английский танец) — общее название различных народных танцев английского происхождения в Европе (XVII-XIX вв.). По музыке близок к экосезу, по форме — ригодону. Многие композиторы (И. Фишер, Ф. Филидор, И. С. Бах) включали танцы типа англеза в инструментальные сюиты.
Экосез
Экосез, экоссез (франц. ecossaise, danse ecossaise — шотландский танец) — старинный шотландский народный танец. Первоначально музыкальный размер — 3/2, 3/4, темп умеренный, сопровождался волынкой. В конце XVII века появился во Франции, затем под общим названием «англез» распространился по всей Европе. Позднее стал веселым парно-групповым танцем быстрого темпа, в двудольном размере. Особенную популярность приобрел в первой трети XIX века (как разновидность контрданса). Музыкальная форма экосеза представляет собой две повторяющиеся 8- или 16-тактовые части.

Бурре
Бурре (франц. bourree, от bourrer — делать неожиданные скачки) — старинный французский народный танец. Возник около середины XVI века. В различных районах Франции бытовали бурре двудольного и трехдольного размеров с острым, часто синкопированным ритмом. С XVII века бурре — придворный танец с характерным чётным размером (alla breve), быстрым темпом, четким ритмом, затактом в одну тактовую долю. В середине XVII века бурре вошел в инструментальную сюиту в качестве предпоследней части. Люлли включал бурре в оперы балеты. В первой половине XVIII века бурре — один из популярных европейских танцев.
Канари
Канари (франц. canarie; итал. и испан. canario) — бальный и сценический танец. Пользовался популярностью во Франции и Италии в XVI-XVII вв. Происхождение названия не вполне ясно; одна из версий — от народного танца Канарских островов, проникшего во Францию через Испанию . Описания его весьма противоречивы, т. к. он постоянно претерпевал видоизменения, превратившись, в конце концов, в «шакон» — один из любимых танцев Луи XIII . Темп быстрый, музыкальный размер 3/8, 6/8 или 3/4, первая доля такта почти всегда пунктированная. Состоит из двух повторяющихся периодов по восемь тактов. В XVII веке вошел в профессиональную музыку, сблизившись с жигой. Канари использован в операх Люлли, Перселла, в оркестровых сюитах, в клавирной музыке Шамбоньера и Куперена.
Сарабанда
Сарабанда (испан. zarabanda) — старинный испанский танец. Упоминается с 1569 года. В 1583 году запрещен в Испании. В эпоху Возрождения исполнялся озорно, темпераментно, под аккомпанемент барабана, кастаньет, гитары, сопровождался пением. Музыкальный размер 3/4. Первый печатный образец сарабанды содержится в «Nuova inventione d'intavolatura» Дж. Монтесардо (1606, Флоренция). С 1618 в Испании — придворный танец, приобретший торжественный, величественный характер. Во Франции с середины XVII в. сарабанда уподобилась менуэту; получила распространение также как инструментальная пьеса. В XVII веке в европейских странах сосуществовали различные виды сарабанды (в характере торжественного шествия и более подвижный). Для жанра сарабанды характерен трехдольный метр (3/4 или 3/2) с акцентом на второй доле такта, медленный темп.
Пассакалья
Пассакалья (ит. passacaglia; исп. pasacalle, от исп. pasar — проходить и calle — улица) — песня, позднее танец испанского происхождения, первоначально исполнявшийся на улице в сопровождении гитары при отъезде гостей с праздненства (отсюда и название). В XVII веке пассакалья получила распространение во многих европейских странах и, исчезнув из хореографической практики, стала одним из ведущих жанров инструментальной музыки. Её определяющие черты: торжественно-траурный характер, медленный темп, трехдольный метр, минорный лад.


Чакона
Чакона (исп. chacona; ит. ciaccona; возможно, звукоподражательное происхождение) — первоначально народный танец, известный в Испании с конца XVI в. Музыкальный размер 3/4 или 3/2, темп живой. Сопровождался пением и игрой на кастаньетах. Со временем чакона распространилась по Европе, стала медленным танцем величавого характера, как правило в миноре, с акцентом на второй доле. В Италии чакона сближается с пассакальей, обогащаясь вариациями. Во Франции чакона становится балетным танцем. Люлли ввел чакону в качестве заключительного номера в финал сценических произведений. В XVII-XVIII вв. чакона включается в сюиты и партиты. Во многих случаях композиторы не делали различий между чаконой и пассакальей. Во Франции оба названия использовались для обозначения произведений типа куплетного рондо. Чакона имеет много общего также с сарабандой, фолией, английским граундом. В XX в. практически перестала отличаться от пассакальи .
Куранта
Куранта (франц. courante, букв. — бегущая) — придворный танец итальянского происхождения. Получил распространение на рубеже XVI-XVII вв. Первоначально имел музыкальный размер 2/4, ритм пунктирный, танцевали ее вдвоем с легкой припрыжкой при прохождении вокруг залы, кавалер держал даму за руку. Казалось бы это совсем просто, однако требовалась достаточно серьезная подготовка, чтобы куранта была благородным танцем с красивыми жестами и правильными соразмеренными движениями ног, а не заурядным образцом пешего хождения по зале. В этом умении «ходить» (древние греки употребляли глагол «шествовать») заключался секрет куранты, которая явилась родоначальницей многих других танцев. Кто хорошо танцевал куранту, тому казались легкими и все остальные танцы — ее можно назвать грамматической основой танцевального искусства. В другой форме куранты кавалер и дама двигались самостоятельно. Отсюда возникла куранта с фигурами — Courante figuree. Любимая из фигурных курант выглядела так: три кавалера брали за руки трех дам и вели их под музыку на другой конец залы, оставив дам, один из кавалеров припрыгивал, делал разные жеманные жесты с грациозными движениями и снова подходил к одной из дам с предложением следовать за ним. То же делали и другие кавалеры. Получив отказ, они становились на колени перед дамами. Те, поколебавшись, подавали руки, и тут начиналась настоящая куранта, то есть хождение вокруг залы. Шествие вскоре временно прекращалось, чтобы кавалеры и дамы могли блеснуть красотою движений и изяществом манер. В XVII веке в Париже в танцевальной академии разработали куранту, которая стала прототипом менуэта, впоследствии вытеснившего свою прародительницу. Изначально, как уже говорилось, куранта исполнялась с припрыжкой, позднее — мало отделяясь от земли (terre a terre). По своему происхождению, по одной версии, куранта чисто французский танец, по другой, принесен в Париж из Италии, где был известен под именем Corrente («течение воды»), вследствие того, что при его исполении наблюдалось плавное колебание колен, при медленных скользящих движениях ног, напоминавших рыбу, нежно опускающуюся в воду и затем снова поднимающуюся на поверхность . Отличительными чертами французского вида куранты являются умеренный темп, размер 3/2 или 6/4, частая смена ритмических группировок, характер торжественный, плавный; итальянская же куранта имеет быстрый темп, постоянный музыкальный размер 3/4 или 3/8. В профессиональной музыке куранта сохранялась до первой половины XVIII в. (инструментальные сюиты Баха, Генделя). Обычно куранта начинала все танцевальные вечера, впоследствии ее место занял «польский» танец .
Жига
Жига (франц. gigue; англ. jig; нем. Gigue) — быстрый старинный народный танец кельтского происхождения, сохранившийся в Ирландии. Первоначально жига была парным танцем. Пьесы под этим названием встречаются уже в XVI в. В XVII в. танец стал популярным в странах Западной Европы. В лютневой музыке Франции XVII в. получила распространение жига в четырехдольном размере. В различных странах, в творчестве разных композиторов жига приобретала разнообразные формы и размеры — двудольные, трехдольные, четырехдольные .

Паспье
Паспье (франц. passe-pied) — старинный французский танец, возникший, по-видимому, в Северной Бретани. В народном быту музыка танца исполнялась на волынке или пелась. Крестьяне Верхней Бретани издавна знали этот темпераментный танец. В конце XVI века пасспье становится очень популярным. В праздничные дни экспансивные парижане охотно отплясывали его на улице. На французских придворных балах пасспье появляется в самом конце XVI столетия. В первой половине XVII века его начинают танцевать в различных салонах Парижа. Музыкальный размер придворного пасспье 3/4 или 3/8, начинается с затакта. Пасспье близок к менуэту, но исполнялся в более быстром темпе. Теперь этот танец включал множество мелких, подчеркнуто ритмичных движений. Во время танца кавалер должен был с необыкновенной легкостью снимать и надевать шляпу в такт музыке. Паспье включался в инструментальную сюиту между ее основными танцевальными частями (обычно между сарабандой и жигой). В балетных номерах опер пасспье использовали композиторы Кампра, Рамо, Глюк и др. В 1890 году Жорж Дера опубликовал композицию «Пасспье de la Reine». Она состояла из восьми фигур, включающих большое количество трудных, часто повторяющихся движений .
Кадриль
Кадриль (франц. quadrille, от испан. cuadrilla, букв. — группа из четырёх человек, от лат. quadrum — четырехугольник). Танец, распространённый у многих европейских народов. Строится из расчета на четыре пары расположенные квадратом. Музыкальный размер, как правило, 2/4. Состоит из пяти-шести фигур, каждая имеет свое название и сопровождается особой музыкой. С конца XVII до конца XIX в. кадриль была одним из наиболее популярных салонных танцев .
Сегодня мы с вами познакомились с искусством барокко. Расцвет которого пришелся на VII век.

Список используемой литературы:

1. Хельшер Эрика. «Роскошь и Разум; костюм и общество времен Луи XIV, «Короля-Солнца» (1654-1715)», отрывок, перевод Блонской Юлии.

2. Ивановский Н. П. «Бальный танец XVI — XIX веков» — М. — «Янтарный сказ» — 2004.

3. Васильева-Рождественская М. В. «Историко-бытовой танец» — М. — «Искусство» — 1987.
4. Худеков С. Н. «История танцев» .
5. «Музыкальный энциклопедический словарь»
1.
2. Танцевальные сайты сети Интернет:
3. www.balletmusic.ru/dances_
4. www.4dancing.ru/blogs/240212/759/
5. historicaldance.spb.ru/index/articles/general/aid/2
ru.wikipedia.org/wiki/Исторический_танец
https://books.google.ru/books?isbn=5459003881
Категория: Уроки музыки | Добавил: elvik4er (2015-12-08) E
Просмотров: 402 | Комментарии: 3 | Рейтинг: 4.0/1
Добавлять комментарии могут только зарегистрированные пользователи.
[ Регистрация | Вход ]
Понедельник, 2016-12-05, 7:35 PM
Приветствую Вас Гость

Форма входа

Категории раздела

Русский язык и литература [1473]
Школьный психолог [501]
История [695]
Опыт [471]
Научная кафедра [216]
Воспитание души [216]
Мастер-класс [205]
Семья и школа [173]
Компьютер-бум [247]
Английский язык [769]
Великие открытия [17]
Университет здоровья [127]
Математика [1134]
Химия [374]
Классному руководителю [622]
Биология [577]
Думаем, размышляем, спорим [89]
Казахский язык и литература [1762]
Краеведение [92]
Начальная школа [3903]
Беседы у самовара [15]
Мировая художественная культура [38]
Новые технологии в обучении [352]
Сельская школа [70]
Профильное обучение [68]
Демократизация и школа [23]
Физика [289]
Экология [179]
Дошколенок [1477]
Особые дети [271]
Общество семи муз [56]
Школа и искусство
Уроки музыки [612]
Авторские разработки учителя музыки СШ № 1 г. Алматы Арман Исабековой
География [440]
Мой Казахстан [227]
Школьный театр [66]
Внеклассные мероприятия [1152]
Начальная военная подготовка, гражданская оборона, основы безопасности жизнедеятельности [72]
ИЗО и черчение [212]
Физическая культура [514]
Немецкий язык [51]
Технология [280]
Самопознание [379]
Профессиональное образование [100]
Школьная библиотека [73]
Летний лагерь [13]
Дополнительное образование [6]
Педагогические программы [2]

Социальные закладк

Поиск

Друзья сайта

Академия сказочных наук

  • Театр.kz

  • Статистика

    Рейтинг@Mail.ru